Quand les anonymes deviennent le centre du récit

L’une des particularités de son travail réside dans le choix de ses sujets. Loin des figures de pouvoir ou des célébrités, il s’intéresse aux anonymes qui sont les travailleurs, migrants, populations marginalisées ou personnes invisibles. À travers leurs visages, il interroge des réalités souvent complexes notamment les déplacements humains, ou encore l’impact de l’exploitation des ressources naturelles sur les populations africaines.

 Un art entre mémoire et dénonciation

Sans discours frontal, Jean David Nkot transforme ses toiles en espaces de réflexion. Son travail questionne la manière dont les richesses circulent, les rapports de domination économique, mais aussi la place des oubliés dans les récits du progrès. Une approche qui lui a valu une visibilité croissante au sein de galeries et expositions internationales, par exemple The New Hercules occupe une place centrale : présentée à Miami, elle met en lumière les travailleurs des mines comme des figures héroïques modernes, une lecture sociale qui a fortement marqué les collectionneurs et critiques, mais aussi ses premières séries comme The Tortured Face et Zone Grise qui ont également joué un rôle décisif dans son entrée dans les circuits internationaux, en imposant son langage visuel autour des visages chargés et des réalités sociales invisibles

 Une voix camerounaise qui résonne à l’international

À travers ses œuvres, Jean David Nkot participe aussi à une relecture contemporaine de l’art africain. Son travail mêle esthétique, engagement social et mémoire collective, tout en plaçant l’humain au centre. Plus qu’un peintre de portraits, l’artiste camerounais apparaît ainsi comme un raconteur d’histoires silencieuses.

Vialy NGUEA ( Stg )

 Un jeu psychologique entre confiance et trahison

 Présenté pour la première fois les 28 et 29 mai en France, le film marque une incursion ambitieuse du créateur dans le cinéma de fiction. Avec une intrigue construite autour du mystère, de la peur et de la suspicion, WHO mise sur une tension permanente pour tenir le spectateur en haleine. Le film s’appuie sur une mécanique psychologique où la méfiance devient centrale. Entre manipulations, secrets et instinct de survie, Wil Aime propose un récit qui explore les limites de la confiance lorsque le danger est proche.

Un casting africain pour un projet ambitieux

 Pour porter ce projet, WHO réunit plusieurs visages du cinéma et de la création de contenus, parmi lesquels Roselyne Geslot, Hassan Koné, John Dadie, Eden Elijah ou encore Philippe Kande. Wil Aime lui-même figure au casting, dans un projet qu’il présente comme l’une de ses réalisations les plus ambitieuses. La bande originale du film est signée par James BKS, producteur et compositeur camerounais reconnu pour ses collaborations internationales, apportant ainsi une touche supplémentaire à l’identité du long-métrage.

 Une nouvelle étape pour le cinéma africain grand public ?

Avec son arrivée dans les salles Majestic du Cameroun, WHO s’inscrit aussi dans une dynamique plus large : celle d’un cinéma africain qui tente de séduire un public jeune, habitué aux formats numériques, mais de plus en plus présent dans les salles obscures. Entre suspense psychologique et ambition cinématographique, le film devra désormais convaincre au-delà du buzz des réseaux sociaux.

Vialy NGUEA ( Stg )

La reconstruction 

Z-TRA revient sur le marché discographique avec douceur. "Jai une part de douceur en moi" a t-elle confié au cours de l'émission. Une part d'elle qu'elle a décidé de révéler au public, bien loin du style avec lequel le grand public l'a connu.
"J'ai dû faire un travail sur moi-même" nous a t-elle confié après 4 ans d'arrêt. "J'ai recommencé à écrire en 2025". Z-TRA a également précisé que revenir à la musique n'a été possible qu'une fois qu'elle s'est sentie prête parce que pendant un bon moment cela lui était impossible.

Un EP à Venir

 Dans quelques mois ( environ 2 mois), la poupée verte ( une part d'elle qu'elle ne renie pas, son alter ego) va mettre sur le marché un EP.
Pour le moment, les mélomanes peuvent écouter le titre "Mal" en attendant la sortie du videogramme.
En terme de rythmes, Z-TRA annonce qu'elle ne fera plus de Mbole, ni de Trap. C'est une époque révolue. Elle va proposer de la Pop ou encore de la Country .

Nadine ENONGUE

Dans la bulle de Sandrine

« On peut sortir des singles mais à certains moments il faut qu’on vous embarque dans une bulle » a déclaré Sandrine Nnanga ce matin sur Volum’3. AWAKE, le nouvel album est un réveil spirituel : « la diva que vous imaginez en moi là se réveille »

Les thèmes abordés dans cet album sont l’amour (c’est le meilleur sentiment), la résilience, la prière : « je mets Dieu au centre de tout ».  « Vous allez découvrir quelque chose d’un peu plus ouvert » a-t-elle confié au cours de son entretien avec John William’s. En ce qui concerne la prise de rsique ou pas sur cet album, l’artiste précise que le risque est proportionnel aux personnes qui vont écouter donc elle va laisser chacun évaluer.

Un don de soi

« Je suis venue dans la carrière musicale en offrant et ce n’est qu’une suite logique de donner une part de moi dans les projets et le public me le rend bien » a déclaré l’artiste qui souhaite que la personne qui écoute sa musique, puisse y trouver un havre de paix. « C’est une oasis que je souhaite donner aux gens et j’espère qu’ils vont se sentir revitalisés. »

Awake est un album de 13 titres dont 3 sont déjà connus : Sobo, Ma Prière et Ndolo. On y retrouve des chansons en Eton, Douala, Anglais et Français. En ce qui concerne les rythmes, il y a du Bikutsi, Makossa, la Rumba et l’Afro Swing. RDV le 5 juin pour la sortie officielle et le concert privé le même jour à Douala.

 Nadine ENONGUE

 Des titres qui racontent plusieurs émotions

 Pour ce projet, le groupe s’est entouré d’artistes de la scène camerounaise et afro-urbaine, donnant au projet une coloration plus large. Parmi les titres les plus écoutés figure « Njè Bodi » avec Locko, une collaboration qui mêle douceur mélodique et ambiance romantique. Le morceau « Come My Way » avec Kæn apporte une touche plus alternative, tandis que « Bisous », porté par la présence de Tayc, apparaît déjà comme l’un des titres les plus commentés du projet. Le collectif à invité également King Luca sur « Je n’ai pas le temps », Reniss sur « Manger Payer », tandis que ALOCH 237 intervient sur le bonus track « Décrocher ». Avec des morceaux comme « No No No », « Laisse Tomber » ou encore « Les Célibataires », le groupe semble raconter différentes réalités affectives, entre amour et indépendance émotionnelle.

 Un projet qui brave déjà les classements

 Au-delà des collaborations, Le Quai de l’Amour semble surtout bénéficier d’un accueil favorable du public. L’album se positionne déjà dans les tendances d’écoute locales, notamment sur Apple Music Cameroun, où il rivalise avec plusieurs sorties internationales. Une dynamique qui pourrait également se confirmer sur des plateformes locales comme Stillac Play ou Colofor, où les artistes camerounais construisent progressivement leur économie numérique. 

Avec cette nouvelle sortie, les Beri Boys confirment une chose : leur ambition de s’installer durablement dans le paysage musical camerounais, tout en continuant à élargir leur audience au-delà de leurs premiers cercles de fans.

 Vialy NGUEA ( Stg )

Lors de son passage dans l’émission OPPT ce jeudi 21 mai 2026, l’artiste camerounaise Eddy Nem s’est livrée avec sincérité sur son parcours, ses inspirations et les réalités de la musique indépendante. Une rencontre marquée par des confidences profondes autour de son univers artistique et de son album phare Memories in Scars.

Une passion née très tôt dans la chorale

Revenant sur ses débuts, Eddy Nem a rappelé que sa passion pour la musique s’est construite dès l’enfance. Très tôt immergée dans un environnement musical grâce à sa mère, maître de chœur, elle découvre le chant au sein des chorales.

Entre 6 et 10 ans, elle fréquente déjà cet univers, d’abord timidement, avant d’y prendre pleinement part. Attirée par les répétitions et les concerts, elle n’hésitait pas, enfant, à se glisser dans les activités des plus grands, malgré les réprimandes. À 10 ans, elle intègre finalement la chorale de manière assidue, portée par l’influence de ses sœurs et de leurs amis qui faisaient vivre la musique même à la maison à travers de petits concerts improvisés. Une ambiance qui, selon elle, a profondément façonné son identité artistique.

Une musique nourrie par les blessures et la guérison

Abordant la dimension émotionnelle de son travail, l’artiste explique que ses expériences personnelles nourrissent largement son écriture. Pour elle, certaines blessures de vie ne se comprennent qu’avec le temps, et deviennent des sources de création.

Dans son titre One More Try, elle explore les thèmes du pardon et du rejet. Elle y raconte cette situation délicate où l’on demande pardon après avoir blessé quelqu’un, mais où la réponse peut être le refus. Une réalité humaine complexe, souvent marquée par l’incompréhension et la douleur, que l’artiste traduit en musique comme un chemin vers la guérison intérieure.

Memories in Scars, un album comme une confession d’âme

Cette sincérité artistique se retrouve pleinement dans son album Memories in Scars, considéré comme l’un de ses projets les plus aboutis. À travers des titres comme Memories in Scars ou Si Ya Koan, Eddy Nem y dévoile une part intime de son esprit et de son âme.

L’album se présente comme un récit émotionnel, où chaque morceau traduit une expérience, une blessure ou une étape de reconstruction. Un projet profondément personnel qui illustre la capacité de l’artiste à transformer ses douleurs en création musicale.

Le défi de l’artiste indépendante

Enfin, Eddy Nem est revenue sur les réalités parfois rudes de son métier. Pour elle, il n’existe pas une seule clé du succès, mais une combinaison d’efforts constants.

En tant qu’artiste indépendante, elle doit tout assumer : financement des projets, écriture, composition, direction artistique et gestion globale de sa carrière. Contrairement à certains artistes accompagnés par des équipes complètes, elle se retrouve au cœur de chaque étape du processus créatif et administratif.

Un défi permanent, marqué par des difficultés mais aussi par une grande satisfaction personnelle lorsque les projets aboutissent.

À travers ce passage dans OPPT, Eddy Nem apparaît comme une artiste complète, introspective et engagée, dont la musique se construit au croisement de la mémoire, de la douleur et de la résilience. Son album Memories in Scars s’impose ainsi comme une œuvre intime, presque thérapeutique, qui reflète fidèlement son parcours et son âme artistique.

Jiresse NGUEPI

Pendant l’entretien, l’artiste est revenue sur le sens qu’elle donne à son cheminement. Pour elle, le parcours accompli n’est pas une fin en soi, mais une matière vivante, un socle sur lequel continuer à avancer. « C’est une chance, c’est une grande richesse », a-t-elle confié, en soulignant sa manière de regarder « plutôt l’avenir ». Elle a expliqué se servir de ce qu’elle a déjà traversé pour « essayer toujours de renouveler », comme si chaque expérience venait nourrir une nouvelle étape de sa création.
L’une des dimensions les plus touchantes de son témoignage concerne son rapport au chant. 

Isabelle Morin voit dans la voix bien plus qu’un simple instrument artistique : « Chanter, il y a un côté aussi guérisseur, voilà, pour moi. » Une phrase qui résume à elle seule une approche intime de la musique, pensée comme un espace d’expression, de réparation et de transformation. Elle a d’ailleurs développé cette idée en évoquant le fait que l’artiste, à travers le temps et l’évolution de sa voix, peut « exprimer ses blessures », se « guérir soi-même », et parfois, presque malgré soi, « guérir les autres ».
Cette conviction traverse tout son rapport à l’écriture et à la création. 

Isabelle Morin a également expliqué son processus de travail sur un projet en cours : elle commence par écrire la musique, puis construit l’histoire à partir des chansons. Une méthode qu’elle affectionne, parce qu’elle aime « réunir souvent des artistes », notamment dans une logique de collaboration à « quatre mains ». C’est d’ailleurs dans cet esprit qu’elle est venue au Cameroun pour composer un projet radiophonique consacré à Édouard Glissant, une création menée à plusieurs voix et plusieurs regards, qu’elle décrit comme un travail « à quatre mains, et quatre oreilles ».

Son passage dans l’émission a aussi permis d’évoquer les ateliers TA’ATIK, auxquels elle participera. Là encore, Isabelle Morin place la voix au centre de l’expérience artistique. Elle souhaite y explorer la façon dont une voix peut « amener leur voix un peu plus loin », en travaillant sur la résonance du corps, le rythme, le body percussion, et le dialogue entre souffle et vibration. Une démarche fidèle à sa philosophie : faire de la création un espace de circulation, d’écoute et d’ouverture.

À travers cette rencontre, Isabelle Morin s’est révélée comme une artiste complète, mais surtout comme une femme de liens. Une créatrice qui ne sépare pas l’art de l’humain, ni la musique de la réparation intérieure. Son passage dans John s’attable aura laissé l’image d’une voix qui ne chante pas seulement pour interpréter, mais pour transmettre, relier et faire résonner quelque chose de plus vaste que soi.

Jiresse NGUEPI

La cérémonie de clôture, organisée dans la mythique salle du cinéma Eden à Douala, a marqué la fin d’une semaine de projections, de rencontres professionnelles et d’échanges culturels autour des images et des récits africains. Point culminant de la soirée, la remise des prix récompensant plusieurs œuvres et talents ayant marqué cette édition. Parmi les bénéficiaires la Guadeloupe pays à l'honneur repart avec la recompense du meilleur court métrage documentaire avec la séquence Ankraj. «Je suis très honoré d’avoir reçu ce prix du court-métrage documentaire. Cette invitation était très spéciale pour nous, et nous sommes convaincus de ce que la Guadeloupe représente. C’est donc avec beaucoup de plaisir que nous avons répondu favorablement à cette invitation. Ce prix symbolise également l’amitié entre le Cameroun et la Guadeloupe. »  s'exprime la réalisatrice Maryse Isimat - Mirin.

Au total plus de 12 trophée ont été distribué. Pour la Reine Bakoko Mme Madiba Songue, c'est une belle expérience :  « Pour une première expérience, nous sommes satisfaits. Nous avons travaillé durant des jours et des heures pour sélectionner les films. Nous avons découvert des œuvres magnifiques, authentiques et porteuses de sens.
Cette année, le festival met particulièrement l’accent sur la culture. À travers notre démarche, nous voulons raconter des histoires, transmettre des mémoires et parler aussi de ceux que l’on oublie parfois. »

La cérémonie a débuté à 20h30, par des projections et la remise d'un prix symboliquement au premier réalisateur Camerounais Dikongue Pipah, le realisateur du court métrage Muna Mouto sortie 1965. Placée sous le signe de la diversité des regards et de la valorisation des récits africains contemporains, cette 1ère édition du DIFF a permis de faire du cinéma africain un espace de mémoire, de création et de dialogue avec le monde.

Entre projections de films, masterclass, rencontres professionnelles et discussions sur les enjeux de l’audiovisuel africain, le festival a transformé Douala en véritable carrefour culturel.
À travers cette édition, les organisateurs ont voulu rappeler que le cinéma africain ne se limite plus à raconter l’Afrique. Il participe désormais à façonner les imaginaires mondiaux. Une ambition résumée par le slogan du festival : « L’Afrique se regarde. L’Afrique se raconte. L’Afrique se filme. »
Au-delà des récompenses et des projections, le DIFF confirme surtout l’émergence progressive de Douala comme l’un des nouveaux espaces de rencontre des industries culturelles et cinématographiques en Afrique centrale.

Martin Luther PII (Stg)

 Une sélection historique pour le Cameroun

 Réalisé à Limbé par Enah Johnscott, déjà connu pour Fisherman's Diary, Lights Out a été retenu dans la catégorie International Narrative Features, où il représentera le Cameroun face à plusieurs productions internationales. Une sélection perçue comme un moment important pour l’industrie cinématographique locale, encore peu présente dans ce type de compétitions internationales.  

Un film porté par une cause sociale

 Produit par Carista Asonganyi en collaboration avec Buh Melvin, le long-métrage aborde la question de la démence et de la stigmatisation des personnes atteintes de troubles mentaux. Inspiré d’une histoire personnelle de la productrice, le film cherche à sensibiliser sur plusieurs réalités encore peu abordées : la confusion entre démence et folie, le manque de structures spécialisées ou encore le poids porté par les familles. Le projet réunit plusieurs visages connus du cinéma africain, parmi lesquels Syndy Emade, Shaffy Bello, Wale Ojo ou encore Brenda Shey Elung. Un casting qui traduit l’ambition du film de rayonner au-delà des frontières camerounaises.

Une visibilité internationale en ligne de mire

 Créé en 1997, l'American Black Film Festival est  l’un des principaux rendez-vous du cinéma afro-américain et africain, réunissant producteurs, distributeurs et figures majeures de l’industrie audiovisuelle noire mondiale. Pour Lights Out, cette nomination ouvre ainsi une fenêtre de visibilité importante pour le cinéma camerounais sur la scène internationale.

 Vialy NGUEA ( Stg )

Installé à la Fondation Gervasuti, dans le quartier du Dorsoduro, le pavillon camerounais s’impose comme l’une des présences africaines les plus remarquées de cette édition. Performances, installations, sculptures et créations sonores s’y croisent dans une scénographie qui explore les notions d’identité, de transmission et de reconnexion aux racines africaines.

« NZƎNDA », signifie « le chemin du retour », Beya Gille Gacha construit une œuvre collective où l’intime dialogue avec le politique. L’exposition réunit plusieurs artistes camerounais aux univers complémentaires, parmi lesquels Jail Time Records, Sylvie Njobati, Bienvenue Fotso, Zora Snake et Neals Niat.
À travers leurs œuvres, les artistes interrogent la mémoire africaine contemporaine, les héritages culturels et les récits longtemps marginalisés. Ici, l’Afrique n’apparaît plus comme une périphérie culturelle, mais comme un espace central de création et de pensée.
Parmi les œuvres les plus marquantes du pavillon figurent les sculptures monumentales de Beya Gille Gacha. Des corps grandeur nature recouverts de milliers de perles bleues, inspirés de personnes croisées au fil de ses voyages et de sa vie.

L’artiste décrit ces créations comme une manière de redonner une dimension sacrée au corps humain.
Issue de la tradition camerounaise du perlage bamiléké, Beya Gille Gacha développe une approche presque spirituelle de la matière. Sans formation académique classique, elle revendique une pratique intuitive nourrie par le voyage, la mémoire et les traditions. Son travail mêle fibres, cire et résine minérale dans une esthétique qui oscille entre artisanat, sculpture contemporaine et rituel symbolique.

Cette édition de la 61e Biennale de Venise reste également profondément marquée par l’héritage de Koyo Kouoh. Première femme africaine désignée commissaire générale de la Biennale avant sa disparition en mai 2025, elle avait imaginé le thème général « In Minor Keys », une invitation à écouter les récits discrets du monde face aux tensions contemporaines.

Dans ce contexte, le Pavillon Cameroun apparaît comme l’une des expressions les plus cohérentes de cette vision avec un espace où l’art devient un outil de mémoire, de dialogue et de réparation symbolique.
Avec « NZƎNDA », le Cameroun affirme ainsi une ambition culturelle claire, celle de porter une parole artistique contemporaine capable de dialoguer avec le monde sans renoncer à ses racines. Jusqu’au 22 novembre 2026, le pavillon camerounais à Venise devient le reflet d’une Afrique créative, libre et pleinement consciente de sa puissance culturelle.

Martin Luther PII (Stg)

Disponible sur les principales plateformes de streaming, Illuminate mêle R&B contemporain, pop mondiale et influences orientales dans une production portée par Cirkut, figure majeure de l’industrie musicale internationale et lauréat de plusieurs GRAMMY Awards.
Le morceau explore les thèmes de l’identité, des émotions et de la connexion humaine, en écho à une édition historique de la Coupe du monde qui réunira pour la première fois 48 sélections réparties entre le Canada, le Mexique et les États-Unis.

Connue pour l’intensité et l’authenticité de son écriture, Jessie Reyez apporte une profondeur introspective au titre, tandis que Elyanna de l'émotion sur la scène mondiale grâce à un univers musical qui fusionne sonorités arabes, latines et occidentales. Leur collaboration se veut à la fois artistique et symbolique, dépassant les frontières linguistiques et culturelles.
Le projet prend également une dimension humanitaire. Jessie Reyez a annoncé reverser l’ensemble de ses revenus générés par Illuminate à des œuvres caritatives, alors qu’Elyanna soutiendra plusieurs initiatives sociales liées aux enjeux mondiaux actuels. Une démarche qui renforce le message d’unité et de solidarité porté par le projet musical du Mondial 2026.

Illuminate rejoint une série de titres déjà dévoilés pour l’album officiel de la compétition, parmi lesquels Lighter de Jelly Roll et Carín León, Por Ella du groupe Los Ángeles Azules avec Belinda, ou encore Echo de Daddy Yankee et Shenseea.
À travers cette diversité d’artistes et de styles, l’album officiel du Mondial 2026 se construit comme une véritable fresque sonore mondiale, à la croisée du sport, de la culture et du divertissement. D’autres morceaux devraient être dévoilés progressivement jusqu’au lancement officiel de la compétition, prévu le 11 juin 2026 à Mexico City.
Avec Illuminate, la Coupe du monde montre une ambition qui dépasse le terrain celui de faire du football un langage universel capable de rassembler les peuples à travers les émotions, les histoires et la musique.

Martin Luther PII (Stg)

Pendant cinq jours, réalisateurs, producteurs, scénaristes, comédiens, techniciens, étudiants et passionnés du cinéma se retrouvent autour d’une programmation axée sur les œuvres, les récits et les voix qui racontent l’Afrique contemporaine.
La soirée d’ouverture s'est déroulé le mardi 12 mai à partir de 17h30 à Institut Français du Cameroun antenne de Douala. Le festival s’achèvera le samedi 16 mai 2026 au Cinéma Eden, à l’occasion de la cérémonie de clôture.

À travers cette nouvelle édition, le DIFF entend mettre en lumière des créations cinématographiques porteuses d’identités, de mémoires et de regards singuliers sur les réalités africaines. Les organisateurs annoncent une programmation tournée vers la découverte, les échanges professionnels et la valorisation du patrimoine culturel par l’image.
Le festival réunira également plusieurs acteurs des industries culturelles et audiovisuelles parmis lesquelles, diffuseurs, médias, partenaires institutionnels et créateurs de contenus.

L’objectif est de favoriser les collaborations, encourager les jeunes talents et renforcer la place du cinéma africain dans les circuits internationaux.
Dans un contexte où les plateformes numériques redéfinissent les modes de diffusion des œuvres, le DIFF veut aussi offrir un espace de réflexion sur l’avenir de l’audiovisuel africain et les nouveaux défis de production, de financement et de distribution.
« L’Afrique se regarde. L’Afrique se raconte. L’Afrique se filme. » À travers ce slogan, le festival revendique une ambition claire celle de permettre aux créateurs africains de raconter eux-mêmes leurs histoires et de porter leurs imaginaires sur les écrans du monde.

Martin Luther PII (Stg)

Une vie au service du 7^e ART

« Je suis arrivé au cinéma parce que je voulais parler au monde », déclarait Bassek Ba Kobhio dans un entretien sur RFI en 2022. Le parcours professionnel de l’étudiant de sociologie et philosophie débute comme stagiaire et assistant sur une série de documentaires produits par le ministère de l'Information et de la Culture du Cameroun. Il a par la suite travaillé sur Chocolat de Claire Denis (1987). En 1991, il produit son premier long métrage, Sango Malo, une adaptation de son roman du même nom. Parmi ses œuvres on peut citer Le Grand Blanc de Lambaréné (1995) ; Life Point (2017) , Les gouverneurs de la Rosée (2018) sur chacun de ces projets, le fils de Nindjè ( son village natal) a été soit producteur, soit réalisateur.

Bassek ba Kobhio a également des ouvrages : le roman Sango Malo, adapté sur grand écran, Les Eaux qui débordent (un recueil de nouvelles) ainsi que l’essai Cameroun, la fin du maquis ?

Le fondateur du Festival Ecrans Noirs, a également fondé la société de productions Les Films Terre Africaine. Dans le but de former les cinéastes de demain pour contribuer au rayonnement du 7^e art, l'Institut Supérieur de formation aux métiers du Cinéma et de l'Audiovisuel de l'Afrique Centrale (ISCAC) nait en 2011.

Les hommages du continent

Dans les milieux culturels au Cameroun et à l’étranger, la nouvelle de ce départ soudain, a provoqué une onde de choc ce matin.

Pour le producteur Ebenezer Kepombia : « Le grand frère est parti, l’industrie du cinéma et de l’audiovisuel africain perd l’un de ses plus grands symboles. »

Le groupe X Maleya pour sa part exprime sa gratitude à cet homme pour son apport à la culture et au   cinéma : « Les grands hommes ne meurent jamais vraiment… ils vivent à travers l’héritage qu’ils laissent dans les cœurs et dans l’histoire. »

La scénariste Elisabeth Cynthia Ngono évoque une « Douleur pour la grande famille du Cinéma au Cameroun… Grosse perte pour le Cameroun tout en entier. Un géant, une icône, le phare de 3 générations, a tiré sa révérence, le Patriarche est parti… Que la terre de nos ancêtres t’accueille dans la paix Papa Bassek » .

Dans son hommage à cette icône, Mohamed Cherif, le Directeur des programmes de la RTG écrit : « À travers Festival Écrans Noirs, il a ouvert des portes, créé des opportunités et donné une voix au cinéma africain sur la scène internationale. Paix à son âme et courage à toute la famille du cinéma africain. »

Pour l’Académie des SOTIGUI : « Aujourd’hui, le cinéma africain perd bien plus qu’un réalisateur…Il perd une conscience, une voix, un bâtisseur. »

Nadine ENONGUE

Placée sous le thème « Leadership et structuration pour transformer l’Afrique », cette édition 2026 réunit pendant trois jours des femmes entrepreneures, artistes et professionnelles du secteur culturel. L’objectif est de renforcer leurs compétences, leur visibilité et leur capacité à structurer durablement leurs activités dans un écosystème artistique en pleine évolution sur le continent.

Le MOFEAC 2026 s’inscrit dans le cadre du programme ACS Amplify.Her, porté par l’Institut français de Paris. Ce programme accompagne le développement des industries culturelles et créatives à travers plusieurs capitales africaines, notamment Douala, Lagos et Accra, en favorisant les échanges, la formation et la structuration des acteurs culturels.

Dès la cérémonie d’ouverture, les participantes ont pris part à un panel inaugural intitulé « L’industrie musicale africaine : leadership féminin, structuration et opportunités ». Les discussions ont permis d’aborder les principaux défis du secteur, notamment la professionnalisation des carrières, l’accès au financement et la place des femmes dans la gouvernance des industries musicales africaines.

Le programme se poursuit avec plusieurs activités majeures. Une conférence sur « Labels et droits : construire une carrière durable », animée par John William's, abordera les enjeux juridiques, contractuels et économiques liés à la gestion des carrières artistiques. Un autre panel portera sur les stratégies de développement des artistes à travers la distribution et le booking, avec un accent sur les nouveaux talents.

Des ateliers pratiques viennent compléter cette édition, notamment « Composition musicale à l’image », consacré à la création musicale pour les productions audiovisuelles, ainsi que « La musique pour l’image et synchronisation », axé sur l’intégration des œuvres musicales dans le cinéma, les séries et la publicité.

Cette troisième saison du MOFEAC s’achèvera le 9 mai avec le concours « Women in Music », une compétition dédiée aux femmes managers d’artistes. Cette plateforme vise à valoriser les talents féminins et à renforcer leur rôle dans la structuration et la transformation de l’industrie musicale africaine.

Jiresse NGUEPI

Le projet s’ouvre sur un morceau d’introduction qui pose immédiatement l’ambiance générale. Cette ouverture sert de mise en scène et installe un climat introspectif. Elle prépare l’auditeur à entrer dans une histoire musicale construite comme un film, où chaque élément aura une fonction narrative.

NDOME – retour aux racines et à l’identité

Le morceau NDOME semble ancré dans une dimension identitaire forte. L’artiste y évoque indirectement ses origines, son environnement ou des repères personnels importants. Ce titre apporte une profondeur culturelle et émotionnelle, en reliant le récit à des éléments de vécu et de mémoire.

CHARMEUR À GAGE / MISSION INES – relations et jeux émotionnels

Ce morceau explore des relations amoureuses complexes. Le titre suggère une dynamique de séduction, de stratégie émotionnelle et parfois de déséquilibre affectif. Il met en avant l’idée d’un personnage qui joue un rôle dans une relation, entre sincérité et manipulation.

INSOLENCE – affirmation et attitude

Ce titre marque un changement d’énergie. Le ton devient plus direct et affirmé. L’artiste adopte une posture de confiance et de défi face à son environnement ou à ceux qui le sous-estiment. C’est un morceau centré sur l’assurance et l’expression de soi.

AÏSHA – une figure amoureuse centrale

AÏSHA représente un personnage féminin important dans le récit global. Ce morceau met en avant une relation forte, marquée par l’attachement, mais aussi par des tensions émotionnelles. Il apporte une dimension intime et sensible au projet.

PÈRE ADOPTIF (feat. Wamen) – un moment émotionnel fort

Ce morceau en collaboration avec Wamen est l’un des plus profonds du projet. Il aborde la figure paternelle, la construction personnelle et les blessures familiales. Le titre met en lumière des questions d’identité et de repères émotionnels, ce qui en fait un passage central et introspectif.

TLS (TU LE SERAS) – projection et transformation

Ce morceau se concentre sur l’avenir et la transformation personnelle. Il évoque des promesses, des évolutions possibles et une vision de soi en devenir. C’est un titre réfléchi, tourné vers l’espoir et la construction de l’identité.

Dans son ensemble, ce projet se distingue par une approche très narrative. Chaque morceau représente une scène ou un chapitre, permettant de construire une histoire cohérente autour de thèmes universels comme l’amour, la famille et l’identité.

JIRESSE Nguepi